ROCÍO DÚRCAL

María de los Ángeles de las Heras Ortiz, conocida artísticamente como Rocío Dúrcal, nació en el Barrio de Cuatro Caminos de Madrid el 4 de octubre de 1944. Cantante y actriz española. Aunque interpretó todos los estilos de la música, triunfó cantando rancheras, boleros y otros géneros tradicionales. 

Descendiente de una familia humilde, desde niña deseaba ser actriz y tenía gran afición a cantar. Por los pocos recursos económicos de su famila, de 6 hijos, y ser la hermana mayor, estudió poco y empezó a trabajar desde muy joven como aprendiz de peluquera. Durante su infancia, e impulsada por su abuelo, participó en numerosos concursos radiofónicos en busca de una oportunidad como niña prodigio. En sus comienzos se dedicó al flamenco y a la canción española, primero con el nombre de Rocío Benamejí y, posteriormente, de Rocío Fiestas. 

En 1959 y con quince años quedó finalista del concurso "Primer Aplauso" de TVE. Precisamente, Luis Sanz, un representante de artistas y productor cinematográfico que veía el programa, quedó prendado de su actuación y talento y  la contrató en exclusiva para la productora Época Films. A él fue a quien se le ocurrió ponerle el nombre artístico de Rocío Dúrcal -en otras biográfías se afirma que fue su abuelo quien lo hizo-. Debutó en el cine con la película Canción de juventud (1961), del Luis Lucia, bajo cuya dirección trabajó también en su segundo filme, Rocío de la Mancha (1962). Un año después rodó La chica del trébol, de Sergio Grisco, y se afianzó como artista profesional con su intervención en la comedia musical de Norman Krasma Un día en Nueva York (1963), dirigida por Adolfo Marsillach. 

A partir de entonces su dedicación al cine fue intensiva; fruto de tanta actividad fueron los numerosos filmes en que participó durante los 60 y los 70: Tengo 17 años (1964), Más bonita que ninguna (1965), Acompáñame (1965), Buenos días, condesita (1966), Amor en el aire (1967), Cristina Guzmán (1968), Las Leandras (1968), La novicia rebelde (1971), Mariela (1972), Me acuesto a las nueve y cinco (1973), Díselo con flores (1974), Me siento extraña (1977), Sin retorno (1977) y Contacto peculiar (1978). 

Entretanto, en 1969 conoció a Antonio Morales "Junior" un músico y cantante filipino que había formado parte del grupo "Los Brincos" y del dúo con Juan Pardo "Juan & Junior", con el que terminó casándose. La carrera discográfica de Rocío Dúrcal comenzó el año 1962 a raíz de que la casa Philips editó varios EP's (cuatro cortes) hasta  el año 1972, de las canciones que llevaban la banda sonora de sus películas: Canción de juventud, Rocío de la Mancha, La chica del trébol, Tengo 17 años, Másbonita que ninguna, Acompañame y Las Leandras, intercalados con algun otro disco pequeño de flamenco, canción española, saetas e incluso villancicos. 

De estas mismas películas también se editaron algunos LP's. Desligada de Philips pasó a ser contratada por Ariola editando de 1973 a 1975 con esta compañía dos singles sin importancia, para luego tomarse un descanso. En 1977 conoció al cantante y compositor mexicano Juan Gabriel, con el que iniciaría una fructífera colaboración musical. Grabaría ocho discos de rancheras compuestas por el mexicano y le llegarían sus grandes hits. 

Entre 1978 y 1979, Ariola lanza los singles con los temas: No lastimes más, Fue tan poco tu cariño, La muerte del palomo, Me gustas mucho, Cuando decidas volver y los LP's: Canta a Juan Gabriel vol.1 (77), Canta a Juan Gabriel vol.2 (78), Canta a Juan Gabriel vol.3 (79) y Canta a Juan Gabriel vol.4 (80). Su discografía continuará con el álbum Un tiempo para recordar y el  single La gata bajo la lluvia (81), el álbum Cuando decidas volver: Canta a Juan Gabriel vol.5 (81), el álbum Entre tú y yo y el single Jamás te dejaré (83), el álbum Jardín de Rosas: Canta a Juan Gabriel vol.6 (84), Boleros (85), Siempre (86), Canta once grandes éxitos de Juan Gabriel (87), Como tú mujer (88), Si te pudiera mentir (90), 

Mis mejores canciones (92) el doble CD+DVD El concierto...en vivo (92), Desaires (93), Ay amores y amores (95), Juntos otra vez (97), Para toda la vida (99), Caricias (2000), Entre tangos y mariachi (2001), ...En concierto inolvidable (2002), Caramelito (2003), Alma ranchera (2004), Duetos (2009), el CD+DVD donde grandes artistas colaboran cantando con ella, Duetos (2010) y el estuche conteniendo 4 CD's Canciones de Juventud:Los años prodigiosos de una artista inolvidable 1962-1972 (2011). 

Durante toda la etapa de su carrera artística, Rocío Dúrcal, actuó periódicamente en España y en Hispanoámerica, siendo México el país donde era considerada un aunténtico ídolo de la canción ranchera y donde recibió lo más sentidos homenajes. Su lista de premios es interminable y en abril de 2005 la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música de España le concedió el "Premio Latino" a toda una vida dedicada a la música, que no pudo recoger por encontrarse ya muy enferma. 

Rocío Dúrcal fallecería el 25 de marzo de 2006, después de padecer un cáncer de útero que le había sido diagnosticado en 2001 y atravesar una larga enfermedad que no le impidió cumplir con sus compromisos de grabación contraídos. Las cifras de ventas de sus discos pasan de los 100 millones de copias, siendo la segunda vendedora de discos en español, detrás de Julio Iglesias.




DISCOGRAFÍA seleccionada:
SINGLES:

 

 

 

ÁLBUMES:

Fuente: Wikipedia/biografiasyvidas.com

Fotografía: duck.fm

Carátulas discos: a45rpm.com/rateyourmusic.com/elmundo.es/coveralia.com

FLEET FOXES

Fleet Foxes es una banda estadounidense de indie folk formada en 2006 en Seattle (Washington) Los miembros que en su trayectoria han pasado por la misma son: Robin Pecknold (voz y guitarra), Skyler Skjelset (guitarra, mandolina,voz), Casey Wescott (teclados, mandolina, voz, 2005-presente), Bryn Lumsden (bajo 2006), Christian Wargo (bajo, guitarra, voz, 2007-presente), Morgan Henderson,(contrabajo, guitarra, madera, violín, percusión, saxofón, 2011-presente), Neal Morgan (batería), Nicholas Peterson (batería, percusión, voz,) Craig Curran (bajo ?-2008) y Joshua Tillman (batería, percusión, voz, 2008-12), Matt Barrick (batería, percusión (2017-presente, miembro de gira). Ellos describen su música como "baroque harmonic pop jams".

Robin Pecknold y Skyler Skjelset iban juntos al instituto Lake Washington High School de Seattle y pronto se hicieron amigos íntimos. La personalidad tímida de ambos creó una mutua admiración por Bob Dylan y Neil Young, por lo que empezaron a componer música juntos.​ Sus padres inspiraron el carácter de su música al principio (la madre de Skjelset era una empedernida fan de Bob Dylan y Hank Williams, mientras que el padre de Pecknold fue miembro de "The Fathoms", un grupo de surf de los años 60.​ Los dos jóvenes eran ambiciosos, y siguiendo la estela de Dylan y Brian Wilson, supieron lo importante que era formarse en la música desde edades tempranas. Al principio, se hicieron llamar "Pineapple", pero el hecho de que otra banda local ya llevase ese nombre les obligó a cambiarlo por Fleet Foxes, un nombre sugerente que hacía referencia a "ese raro gusto de los ingleses de ir tras los zorros". Pecknold se hizo cargo de la composición, Skjelset de la guitarra, y la voz la pusieron ambos. El estilo de los últimos años sesenta de Pecknold llamó la atención del productor local Phil Ek, quien les ayudó a grabar su primer demo en 2006, el EP Fleet Foxes, editado por ellos mismos. ​ 

Gracias a que su popularidad a nivel local y al gran repertorio que ya poseían, la banda comenzó a grabar su primer álbum a principios de 2007, alternando su tiempo en el estudio con Ek al tiempo que grababan material en casa. Sin embargo, el presupuesto estaba muy ajustado, limitando el tiempo de disponibilidad del estudio, por lo que la mayoría de las canciones fueron grabadas en los propios hogares de los miembros del grupo así como en la casa de los padres de Pecknold. Fleet Foxes se hacían cada vez más populares, y a finales de 2007, su MySpace había registrado un nivel de 250.000 reproducciones en tan sólo dos meses. Aunque la banda aún no había editado ninguna de sus canciones, se vieron beneficiados por el "boca a boca" de los internautas. El 18 de enero de 2008 firmaron con la filial de Warner Music, Sub Pop.Terminaron su segundo EP Sun Giant al mismo tiempo que hacían los preparativos para su primera gira,​ que les llevaría a partir del 28 de febrero de 2008 y durante toda la primavera por todo el Noroeste de Estados Unidos, junto a Blitzen Trapper.​ Su participación en el festival South by Southwest de Austin, elevó a la banda a la conciencia colectiva, y suscitó el interés de la prensa europea por primera vez.

Sun Giant fue lanzado internacionalmente el 8 de abril de 2008, y la mezcla de folk, pop y rock, junto con sus armonías vocales, fue bien recibido por los críticos. A pesar de la cálida recepción, el grupo sentía que este EP no alcanzaba todas sus expectativas, porque sólo era vendido en formato CD allá por donde pasaba la gira.​ En mayo, ampliaron la gira al resto de Norteamérica y a Europa hasta septiembre para promocionar su futuro primer álbum. Por otra parte, el grupo creció en componentes con la incorporación de J. Tillman en la batería y los coros.​ El primer álbum llegaría poco después, el 3 de junio de 2008​ y consiguió las mismas buenas impresiones que el anterior EP Fleet Foxes recibió 4 estrellas sobre 5 de Rolling Stone(que les comparó con los Beach Boys, Animal Collective o Crosby, Stills & Nash)​ y un 9.0 sobre 10 de Pitchfork.​ The Guardian lo elogió especialmente, otorgándole cinco estrellas y catalogándolo como "un hito en la historia de la música americana, un clásico". El 24 de junio, llegó al número uno en la lista CMJ Radio 200 Chart. Por su parte, el álbum consiguió una puntuación del 87% entre treinta opiniones en la web Metacritic, colocándose en la categoría de "aclamación universal".

En Estados Unidos, el éxito del álbum fue más escaso que en Europa. El disco había vendido 200.000 copias cinco meses después de su lanzamiento.​ El número de copias vendidas fue muy superior a lo esperado y la revista londinense Uncut le otorgó el premio Music Award 2008.​ El editor de Uncut afirmó que "su calidad musical es impecable y su sonido único. Fleet Foxes ha sido un glorioso debut". La banda llenaba allá donde actuaba (Reino Unido, a finales de 2008 y Australia y Nueva Zelanda, en enero de 2009), reafirmando su creciente popularidad. La banda comenzó a preparar su próximo álbum en abril de 2010 en varios lugares (incluido West Hurley, Nueva York) con la incorporación del ex bajista de Blood Brothers, Morgan Henderson. El álbum se llamó, Helplessness Blues  y fue lanzado el 3 de mayo de 2011 con una portada ilustrada por el artista de Seattle, Toby Liebowitz y pintada por Christopher Alderson. La canción principal se lanzó mediante descarga gratuita el 31 de enero de 2011, y la cuarta canción del álbum, Battery Kinzie, se estrenó en el Reino Unido en el programa de radio de Zane Lowe el 22 de marzo de 2011. El sello Sub Pop lanzó un vídeo musical descargable de la canción Grown Ocean, con imágenes de la grabación del álbum, en su sitio web en apoyo del álbum.

El 18 de enero de 2012, después de que la banda terminó la gira para el álbum, el baterista Tillman anunció que había dejado la banda. Helplessness Blues fue nominado como Mejor Álbum Popular en los Premios Grammy 2012, celebrados el 12 de febrero de 2012. El 18 de mayo de 2016, mientras respondía las preguntas de los fanáticos en su cuenta de Instagram, Pecknold confirmó que Fleet Foxes estaba trabajando en nuevo material con el baterista y colaborador frecuente Neal Morgan, mejor conocido por su trabajo con Joanna Newsom y Bill Callahan. El 7 de marzo de 2017, Fleet Foxes anunció su tercer álbum de estudio, Crack-Up, lanzado el 16 de junio de 2017 a través de Nonesuch Records, un nuevo sello para la banda. El primer sencillo, "Third of May / Ōdaigahara", fue lanzado el mismo día. El 4 de abril de 2017, la banda publicó un avance del álbum en YouTube. El avance presenta brevemente varias canciones del álbum y muestra algunas imágenes mientras se grababa. El vídeo fue hecho por Sean Pecknold, el hermano de Robin. 

El 10 de octubre de 2017, la banda anunció el lanzamiento de un nuevo EP, titulado The Electric Lady Session, para el Black Friday Record Store Day 2017. El EP fue lanzado el 24 de noviembre de ese año, y es una colección de actuaciones en vivo de cuatro canciones de Crack-Up, originalmente grabadas para su sesión en la estación de radio WFUV de la Universidad de Fordham. Para Record Store Day 2018, la banda lanzó otro EP, titulado Crack Up (versión coral) / In The Morning (Live in Switzerland), en colaboración con el coro islandés Graduale Nobili. El 9 de noviembre de 2018 fue publicado el álbum recopilatorio First Collection 2006-2009. Robin Pecknold había bromeado recientemente con varias demos nuevas en línea para un nuevo álbum, que aún no se ha anunciado. 

DISCOGRAFÍA seleccionada,

SINGLES:

Resto de EP's:

Fuente: wikipedia
Fotografía: discogs.com
Carátulas discos: discogs.com

JEFF BUCKLEY

Jeffrey Scott Buckley conocido artísticamente como Jeff Buckley nació el 17 de noviembre de 1966 en Anaheim (California) y falleció a los 30 años de edad por ahogamiento el 29 de mayo de 1997 en Memphis (Tennessee). 

Cantautor estadounidense de rock alternativo, folk rock, soul y blues, considerado una de las mejores voces de la música de todos los tiempos. Es reconocido por haber sido un intérprete muy virtuoso, por su potente rango vocal de cuatro octavas y media; y por su primer y único álbum de estudio, titulado Grace en 1994; que es considerado una obra maestra de todos los tiempos, especialmente por su sensibilidad interpretativa única, siendo reconocido tanto por la crítica​ como por músicos como Bob Dylan y Radiohead, y la crítica lo consideró uno de los artistas más prometedores de su generación. Sin embargo, en la cima de su popularidad, muere ahogado mientras nadaba en el Río Wolf (Tennessee) a la altura de la ciudad de Memphis.​ Los críticos y los músicos aún reconocen su trabajo y estilo. Fue hijo del también cantautor Tim Buckley (1947–1975).

Jeff Buckley fue el único hijo de Mary Guibert y Tim Buckley. Su padre era compositor y publicó una serie de discos de folk y jazz muy aclamados a finales de los 60's y principios de los 70's. Su madre era de ascendencia panameña, y su padre provenía de una familia de emigrantes irlandeses de Cork.​ Buckley se crio con su madre y su padrastro, Ron Moorhead, en el sur de California, moviéndose continuamente por el condado de Orange.​ También tenía un hermanastro, Corey Moorhead (quien llamó a su primer hijo varón Jeffrey James, en honor a Buckley). Durante su infancia fue conocido como Scott "Scottie" Moorhead pero cuando tenía aproximadamente diez años, decidió tomar su nombre de nacimiento tras conocer a su padre (a quien no volvió a ver), aunque para su familia siguió llamándose Scottie. A los dieciocho años se trasladó a Los Ángeles, donde se graduó en el curso de dos años del Musician's Institute. Buckley siempre se refirió a su paso por este centro como una "pérdida de tiempo", aunque hizo amigos de por vida allí. Su bagaje musical se reflejó en aquellas bandas en las que participó antes de iniciar su carrera en solitario. En Los Ángeles formó parte de la banda de reggae de Shinehead, así como en otras bandas en las que normalmente se limitaba a tocar la guitarra. Todavía tenía que descubrir su espléndida voz, al igual que sus propios compañeros de grupo.

Buckley se trasladó a Nueva York en 1990.​ Su debut en público como cantante fue una actuación en 1991, un tributo a su padre, Tim Buckley, en la iglesia de St. Ann de Nueva York. No se le pagó como intérprete.​Simplemente eligió mostrar sus respetos a su padre diciendo: "Esto no es un trampolín, esto es algo muy personal". Interpretó «I Never Asked To Be Your Mountain» con un amigo llamado Gary Lucas, acompañándole a la guitarra, y cantó una versión a capella de «Once I Was», que dejó al auditorio en completo silencio.​ Cuando se le preguntó por este concierto en particular, Buckley contestó que "no era mi trabajo, no era mi vida. Pero me sentía mal por no haber estado presente en su funeral (de su padre), de que nunca tuve la oportunidad de decirle nada. Aproveché ese concierto para mostrarle mis últimos respetos". Buckley se convirtió pronto en intérprete solista habitual en el café Sin-é de Greenwich Village, donde atrajo la atención de los ejecutivos de Columbia Records. En 1993 Columbia publicó un EP de cuatro temas grabados en el café Sin-é. Buckley tocó con el guitarrista experimental Gary Lucas y su banda "Gods and Monsters".​ En 1994, Buckley publicó su disco debut Grace, compuesto por diez canciones. ​Las ventas progresaban lentamente, pero el álbum enseguida recibió las alabanzas de la crítica y el aprecio de otros músicos (entre ellos Jimmy Page, Robert Plant, Bob Dylan, Thom Yorke, Neil Peart y Paul McCartney). Muchos consideran su versión del Hallelujah de Leonard Cohen como la grabación definitiva de dicha canción y probablemente sea la más conocida de Buckley.

El intento de Buckley de preservar su integridad artística y creativa frente a las exigencias intolerables de la industria discográfica le llevó a una situación insoportable. Tras la publicación de su primer y aclamado disco, Buckley pasó más de dos años de gira por todo el mundo. Parecía ser una forma agotadora pero eficaz de mantener la independencia de su compañía discográfica, con la que mantenía una relación bastante tensa. En 1995 Buckley realizó un concierto en el Olympia de París, un local que había hecho famosa a la cantante francesa Édith Piaf y que él consideró el mejor de toda su carrera. También realizó una gira conocida como "Phantom Solo Tour". La inició en diciembre de 1996 utilizando diversos seudónimos como Father Demo, Jaime de Cevallos, Topless America, Smackcrobiotic, The Halfspeeds, Crackrobats, y Martha and the Nicotines. Como justificación a tan misteriosa gira, Buckley publicó una nota en Internet argumentando que había perdido el anonimato de tocar en pequeños locales y cafés: "Hubo una época en mi vida no hace mucho tiempo en la que podía llegar a un café y simplemente hacer lo que quería, tocar música, aprender tocando, explorar lo que ello significa para mí, esto es, divertirme cuando aburro y/o entretengo a una audiencia que no me conoce o que no sabe a qué me dedico. En esta situación me puedo permitir el precioso e irreemplazable lujo de equivocarme, de arriesgarme, de rendirme. He trabajado muy duro para conseguir todo esto, este entorno donde trabajar. Lo amaba y ahora que lo he perdido lo echo de menos. Lo único que estoy haciendo es reclamarlo".

Durante toda su carrera, Buckley hizo varias versiones sobre escena de sus artistas preferidos: Bob Dylan, The Smiths, Siouxsie Sioux, Leonard Cohen, Bad Brains, MC5, entre otros. Buckley murió el 29 de mayo de 1997, a la edad de treinta años, ahogado en el río Wolf en Tennessee. Su muerte estuvo envuelta en misterio, debido a que no es posible determinar si se trató de un accidente imprudente o si se suicidó a causa del trastorno bipolar que padecía. Los testimonios que entregan mayores antecedentes respecto a los sucesos que rodearon su muerte, son la biografía escrita por David Browne (“Dream Brother”) y un documental emitido por la BBC en 2002, donde se narran los hechos acontecidos aquella fatídica noche del 29 de mayo de 1997. Según estos relatos, Buckley había viajado hasta Memphis, para grabar su segundo disco, que llevaría por nombre “My Sweetheart The Drunk”, y esa noche llegaría su banda a la ciudad para comenzar el proceso de grabación. Por lo general, Gene Bowen (Road Manager de Buckley) lo acompañaba a todos lados para evitar que se metiera en problemas, sin embargo, esa noche Jeff decidió salir a dar una vuelta, acompañado por el roadie Keith Foti. Al parecer habrían recorrido toda la ciudad escuchando canciones de John Lennon y Jane's Addiction en un grabador doble casete que Foti había comprado el día anterior. Cuando decidieron ir a la sala de ensayo para esperar a la banda, se dieron cuenta que estaban perdidos, al cabo de una hora de infructuosos esfuerzos por llegar a la Young Avenue, decidieron llamar a Bowen para pedirle que los ayudara a encontrar el camino, sin embargo, no pudieron contactarlo, ya que se había ido al aeropuerto a recibir al resto de los músicos. 

Fue en ese instante que Buckley tuvo la idea de que fueran a la ribera del Rio Wolf para tocar guitarra y seguir escuchando música. El río no era apto para el baño, pero no existían carteles de advertencia que informaran de un potencial riesgo. Además, Buckley ya había nadado antes ahí. Mientras Foti tocaba la guitarra, Jeff tomó el grabador y caminó hasta la orilla del río, dejando el dispositivo bastante cerca del agua. Alrededor de las nueve de la noche y en un acto inexplicable, Buckley se metió al agua completamente vestido, inclusive con sus botas puestas, y a medida que se iba internando a lo más profundo del río, comenzó a interpretar «Whole Lotta Love» de Led Zeppelin. En un momento, Foti movió de lugar el grabador para evitar que fuese a mojarse con las olas que produjo un barco que pasaba por el sector y al levantar la vista, Jeff ya había desaparecido. El cuerpo de Buckley fue encontrado desnudo cinco días después, al final de Beale Street, y sólo pudo ser identificado por el característico piercing de su ombligo. La autopsia realizada posteriormente no reveló la presencia de alcohol ni drogas en su cuerpo.

Tras la muerte de Buckley, algunas de las demos grabadas para su segundo álbum fueron publicadas bajo el nombre de Sketches for My Sweetheart the Drunk. Se han publicado otros discos con grabaciones en vivo (solo en el año 2019 aparecieron 6 de ellos), así como un DVD de un concierto en Chicago y algunos CD's+DVD. Jeff Buckley solía realizar con mucha frecuencia versiones propias de canciones de otros músicos, especialmente en sus presentaciones en vivo, de hecho así consiguió ser valorado como músico en sus comienzos. Generalmente, se trataba de canciones muy antiguas, simples (tocadas sólo con piano o guitarra) y de cantautores relativamente desconocidos, con un sonido de blues o jazz. La gran calidad interpretativa y vocal de Buckley le valía grandes elogios por estos covers, por su sensible y melancólica forma de cantar. El más celebre es el de Hallelujah, que si bien es de un cantautor muy importante como Leonard Cohen, realmente nunca fue una de sus canciones más destacadas. Sin embargo Buckley la transformó en un clásico. Pero también se destacan mucho los de canciones como "Lilac Wine" (inspirada en la versión de Nina Simone), "Corpus Christi Carol" (canción clásica del célebre compositor británico Benjamin Britten), incluidas en Grace, "Je n'en connais pas la fin" (canción francesa clásica), I Know It's Over de The Smiths, "I Shall Be Released" (Bob Dylan), "The Other Woman" (inspirada por Nina Simone), "Calling You" (Bob Telson) y varios de Bob Dylan y Van Morrison; todas ellas interpretadas sólo con su guitarra eléctrica, sin distorsión alguna.

Una de las destacadas presentaciones en que se aprecia su especial forma de realizar covers fue la conocida como Live at Sin-é, basada casi únicamente en covers y realizada en el café "Sin-é" Nueva York, en la que Buckley sólo toca acompañado de su guitarra eléctrica sin ningún otro músico adicional. Hasta entonces el músico aún no lanzaba ningún disco oficial y fue originalmente publicada en 1993, pero sólo unas cuantas canciones. En 2003 se lanzó la Legacy Edition con el show completo. Músicos como Thom Yorke de Radiohead y Matthew Bellamy de Muse citan a Jeff Buckley entre sus influencias, y Grace ha sido laureado por artistas como Bob Dylan (uno de los ídolos de Buckley), Paul McCartney, Jimmy Page, Steven Wilson, Morrissey, Robert Plant, Chris Cornell de Soundgarden y Audioslave, Myles Kennedy, Neil Peart, Lana Del Rey. El trabajo de Buckley, aparentemente anómalo con su época, ha tenido una influencia enorme. Se han escrito numerosas canciones en su tributo, entre las que destacan "Teardrop" de Massive Attack con Elizabeth Fraser,​ "Memphis" de PJ Harvey, "Blind River Boy" de Amy Correia, "Memphis Skyline" de Rufus Wainwright, "Wave Goodbye" de Chris Cornell, "Song For A Dead Singer" del grupo belga Zita Swoon, varios temas del grupo de New Jersey Ours, etc. También es nombrado en la canción "Shakespeare" de la cantante y actriz Miranda Cosgrove. Vocalistas como Thom Yorke de Radiohead, Matt Bellamy de Muse y Chris Martin de Coldplay reconocen que su voz les influye.

DISCOGRAFÍA seleccionada,
SINGLES:

Sg. Lover, You Should've Come Over 2018

EP's:

Resto de ÁLBUMES:

CD's + DVD:

VÍDEO:

Fuente: wikipedia
Imagen: discogs.com
Carátulas discos: discogs.com